muqueが多彩な登場人物と歩んだ2年半、冒険の集大成「Dungeon」を語る
muque於10月9日發行了首張完整專輯《Dungeon》。
自2022年5月於福岡組成以來，muque已走過約兩年半的音樂旅程。這張期待已久的 1st 專輯 收錄了先行發行的 “jabber”、主打歌 “feelin’”，以及曾作為 ABC電視台 & 朝日電視台聯播劇《美妙人生，老師！》 插曲的 “nevermind”，此外還包括 “456”、“desert.”、“my crush”、“Bite you” 等已發表的曲目。這張作品完整呈現了 muque 這段時間以來音樂風格的變化與成長。
為了紀念專輯的發行，音樂ナタリー 訪問了 四位成員，讓他們回顧從去年 11 月發行 EP《Design》至今的變化，以及他們對演出、創作的看法，並談論新專輯中的歌曲創作故事。
採訪・撰文 / 天野史彬
愈來愈多的角色，出現在muque的音樂旅程之中
——這次接受 音樂ナタリー 的訪問，距離上次你們在去年 11 月發行 EP《Design》時的採訪已有一年的時間（參見：《muque「Design」訪談——四人因彼此的信賴集結，以多元音樂風格從福岡向全國進擊》）。對你們來說，這一年是怎樣的時期呢？
Lenon（貝斯）：「自從發行 《Design》 之後，我們的知名度逐漸上升，這點是很明顯能夠感受到的。不過，這也讓我們更強烈地意識到——『我們必須展現與知名度相匹配的表現力』。無論是在 現場音響製作 或是 心理狀態 方面，我們都需要成長。
我們要清楚地理解 『觀眾眼中的自己』 和 『自己認為的自己』，然後思考如何在這之間找到平衡。」
——你所說的「觀眾眼中的自己」與「自己認為的自己」，兩者之間有差異嗎？
Lenon：「我原本給人的印象比較安靜內斂，但在演出時展現出不同的表情後，我明顯感受到觀眾對我的印象開始改變。最終，這種變化讓整體氛圍變得更柔和了，我也因此理解到，『只要改變自己的行動，就能改變別人對自己的印象』，這點在這一年內體會得很深。」
Asakura（主唱 & 吉他）：「我覺得，muque 過去的活動中，我們一直都是自己的主角。
因為我們的現場演出次數少，主要是靠音樂作品來與聽眾交流，團隊成員與工作人員之間的互動基本上就是我們世界的全部。我們並沒有意識到周圍的變化。
但自從 《Design》 之後，參與了更多 現場演出與音樂節，讓我們開始注意到，這個音樂旅程中，還有許多其他的角色與故事。而這樣的經驗，也直接反映在我的歌詞之中，現在的歌詞裡，多了許多新的登場人物。」
——這表示，現場演出對 Asakura 造成了很大的影響？
Asakura：「是的。一開始我只是單純地感到 緊張，演出時也像是在與自己對抗。
雖然現在仍然會緊張，但近期我開始思考 『我可以和大家玩得多開心？』 這樣的問題，演出心態逐漸發生變化。」
——takachi 你呢？身為主要的 作曲人，應該能夠感受到歌曲傳遞出去的手感吧？
takachi（鼓手 & 編曲）：「確實，我有這種感覺。當我設定了一個重點，希望觀眾能注意到時，實際演出時真的有被感受到，這讓我很有成就感。不過，在《Design》之前與之後，我的心態並沒有太大變化。
活動進行久了，難免會產生急躁的情緒，但我始終認為——『沒有捷徑可以走』。
無論是現場演出還是製作音樂，都需要一步一步地發現問題並解決它們，這一年來，我就是這樣穩步前進的。我不會刻意模仿其他音樂人，也不會被外界影響，只專注於自己認為最重要的事情。」
——「沒有捷徑」這種想法，是你刻意提醒自己的嗎？還是自然就這麼認為？
takachi：「我是有意識地提醒自己的。因為我不只是作曲者，同時也是樂隊的鼓手，需要同時處理很多事情，這容易讓某些部分變得疏忽。因此，我時刻提醒自己，『不要心急，不要妄想突然變得厲害，應該一點一點地累積進步』。」
現場演出的理想狀態：誰更享受，樂團還是觀眾？
——Kenichi，你怎麼看待《Design》之後的這段時間？
Kenichi（吉他）：「我們發行 《Design》 後，有一次演出，結果……那場演出 堪稱我們史上最糟糕的現場表演。」
Asakura・takachi・Lenon：「（笑）」
Kenichi：「但我覺得，那場演出反而成為一個 轉折點。
因為那次的表現太糟了，讓整個團隊都意識到：『這樣不行！我們必須重新調整步伐，做好準備，再一次全力以赴。』
於是，我們進入了一段像武者修行般的密集演出階段。在這段時間內，我們開始真正注意到觀眾的反應，也慢慢感受到，我們曾經在腦中勾勒的目標，正逐漸成為現實。」
——這場「最糟糕的演出」，對你們四人來說，都是共通的感受嗎？
Asakura：「是的，完全沒錯。」
——方便的話，能具體說說，那場演出到底發生了什麼嗎？
Kenichi：「當時在舞台上，我們完全沒有在交流。
現在回想起來，那場演出沒有默契、沒有樂趣，每個人都只是在與自己奮戰。我們應該要用音樂交流，而不是各自沉浸在自己的世界裡。
舞台上的 眼神交流 其實是非常重要的，它能夠帶來 安心感。」
Asakura：「而這種安心感，其實也會影響到觀眾。」
——從這場「最糟糕的演出」後，muque 在現場表演上有了哪些具體的改變？你們心目中理想的現場演出又是什麼樣的呢？
takachi：「對我來說，我第一次真正感受到『現場演出是件快樂的事』，是當觀眾突然爆發出熱烈的歡呼聲時。
這種感覺，是在創作音樂時無法體驗到的，只有現場演出才會有的刺激。
因此，我認為 『不管品牌形象或戰略，最重要的就是觀眾能夠享受』，這才是一場成功的演出。」
Kenichi：「我第一次感受到這種能量，是今年 3 月，在下北澤 ADRIFT 舉辦的 『PLAYPARK 2』 自主企劃演出時。
那場演出的觀眾反應，和我們以往的現場完全不同，明顯變得更熱情。我當時心想：『咦？我們現場演出的回應有這麼好嗎？』，甚至覺得我們可能會被這股能量吞沒（笑）。
但從那場演出開始，我們開始理解如何主動營造氛圍，將整場演出帶入我們想要的節奏。」
——下北澤的那場演出，是否標誌著 muque 的人氣與影響力，在觀眾之間真正「可視化」的時刻？
Lenon：「當觀眾的臉上帶著笑容時，我自己也會感到開心。而且，當我們在舞台上透過眼神交流，確認彼此的情緒時，會讓演奏變得更有樂趣。」
Asakura：「我跟 Lenon 的感受有點相似，不過，我的情況是——如果不看觀眾的臉，我會變得很緊張（笑）。
特別是在『PLAYPARK 2』之前，我發現站在前排的觀眾會笑著看我們，但站在後排的觀眾往往是帶著嚴肅表情，像是在評價我們的表演。
所以當時，我內心想的是：『我一定要讓這些觀眾投入其中！』，於是帶著這種心態去演出。
但從『PLAYPARK 2』開始，帶著笑容的觀眾變多了，這讓我開始轉變心態，從原本的**「我要征服那些嚴肅的觀眾」，變成「我希望先讓這些開心的人更享受」**。
同時，我也開始與觀眾進行某種「誰更享受」的競爭，感覺變成了 『自己 vs 觀眾，誰能玩得更開心？』。」
Kenichi：「Asakura 在『PLAYPARK 2』的演出，真的變得不一樣了。
我們在 東京、大阪、福岡 三地舉辦了這場演出，隨著場次增加，Asakura 的舞台表現明顯變得更有力量。」
takachi：「真的，就像 《七龍珠》裡的孫悟空。」
Asakura・Kenichi・Lenon：「（笑）」
takachi：「在戰鬥中不斷變強，甚至在演出進行的途中，她的能量就會提升，簡直就是超級賽亞人（笑）。」
——Asakura，你自己也有這樣的感覺嗎？
Asakura：「確實有時候會這樣……有時候，我甚至會在演出時不自覺對觀眾說話，事後回看錄影，才發現自己說了什麼（笑）。
或許，這就是某種『進入Zone狀態』的感覺。」
muque不受「流行音樂」類別的限制
── 從 EP 《Design》 之後，隨著 《Bite you》 和 《desert.》 等單曲的發行，muque 的音樂似乎變得越來越厚重、更加有力量。而這次的 首張完整專輯《Dungeon》，彷彿完整收錄了 muque 的這段進化歷程。
在這個前提下，我想問一個問題——你們在 《nevermind》 歌詞中唱到：「流行音樂在耳機裡播放，隨著音樂擺動，煩惱也一起拋開」。那麼，對現在的你們來說，「流行音樂」到底是什麼？
muque的音樂核心：抓耳的旋律與獨特性
takachi（鼓 & 編曲）：「muque 一直在挑戰不同的音樂類型，但對我來說，最重要的是旋律的吸引力（catchiness） 和 獨特性。
舉例來說，《Bite you》 這首歌的吉他雖然經過了失真處理，但透過降低音量並加入合成器，讓旋律聽起來既帶有搖滾氛圍，又不會過於激烈。
這種方式，就是我們一直在尋找的旋律吸引力、曲風與個性的平衡點，而我認為這樣的音樂或許可以稱為『流行音樂』。」
── 所以關鍵在於 如何維持這些要素之間的平衡，對吧？ 其他成員怎麼看呢？
Kenichi（吉他）：「對我來說，每個人對『流行音樂』的定義應該都可以不同。
我現在還是常聽 重音樂（Loud Rock），而在我的世界裡，這些音樂就是我的『流行音樂』（笑）。」
takachi：「原來如此（笑）。」
Kenichi：「所以我覺得，流行音樂的定義因人而異，這並不是一個固定的概念。
此外，我個人不會特別認為 muque 就是流行音樂。我們做的是 muque 的音樂，如果有人認為 muque 屬於流行音樂，那當然也沒問題，但對我來說，與其說我們是在『做一種音樂類型』，不如說我們是在傳遞 muque 這個獨特的音樂世界。」
Lenon（貝斯）：「我媽媽是 J-POP 的愛好者，從小我就經常聽 J-POP，在這些歌曲之間，儘管有細微的差異，但它們通常都屬於 J-POP 這個大類。
然而，我認為 muque 的音樂不屬於 J-POP 的框架內，就像 Kenichi 說的，我們並不受『流行音樂』的分類所限制。
每當我們創作一首新歌時，我們都會有『這到底算什麼類型呢？』這樣的疑問（笑）。但同時，每當我們創作出新的音樂時，都會覺得『這也太有趣了吧！』，這種樂趣，正是 muque 創作音樂的魅力所在。」
帶有反骨精神的歌詞，前向卻不忘陰影
── Asakura，你的看法呢？
Asakura（主唱 & 吉他）：「其實我平時不太去思考音樂的類型。我是那種單純『聽旋律好聽的歌』的人，所以我不會特別去想 『流行音樂是什麼？』 這類的問題。
《nevermind》 歌詞裡寫到 『流行音樂在耳機裡播放』，其實並不是因為我們特別強調 muque 是流行音樂，而是出於一種 反向思考（逆張り） 的趣味。
我覺得，人不該被太多框架束縛住，所以才會寫下這樣的歌詞。」
── 你在創作歌詞時，是否帶有一種 反骨精神？
Asakura：「其實我平常並沒有太強的反骨精神（笑）。
但在寫歌詞時，我會覺得，前向的歌詞裡，如果藏著一點點負面的情緒或反骨精神，會更有趣。
觀眾似乎也把我視為『負面 = Asakura』的代表（笑）。
雖然最近開始寫比較正向的歌詞了，但我還是希望不要失去自己的核心特色。」
── 所以，你覺得自己「負面的形象」已經確實傳遞給觀眾了？
Asakura：「看來是這樣（笑）。」
Kenichi：「但這也說明了 Asakura 的詞曲風格是穩定且有力量的。」
Asakura：「以前我會有點抗拒這種說法，但現在我也開始覺得 『這或許就是我的風格』。
有些人跟我說，『你的旋律很抓耳，但歌詞卻很暗，這樣的對比很好』，我以前會覺得 『是這樣嗎……』，但最近開始認同，這就是我的特色。」
歌詞的轉變：從自己到聽眾
── 近來的歌曲，如《Bite you》《desert.》等，感覺 Asakura 的歌詞不僅是在面對聽眾，也是在面對自己。你對自己的歌詞變化有自覺嗎？
Asakura：「尤其是 《desert.》 這首歌，我當時進入了一個 歌詞寫不出來的低潮期，心情變得很消極。
其實，muque 的音樂風格本來就有一個基礎：takachi 創作帶有『西洋風格』的音樂，而我則創作『日式旋律』，這是我們的特色之一。
但在那時，我突然對自己的旋律產生了 自卑感，覺得自己的音樂不夠好，導致我無法順利創作旋律。
這種 無力感 讓我無法前進……但當我想起 那些來看我們演出的觀眾，我才意識到：
『對啊，我就是為了這些人而唱歌的。』
於是，我寫下了 《desert.》 的歌詞。」
muque的音樂旅程，就像一場「冒險」
── 首張完整專輯《Dungeon》 可以說是 muque 迄今為止的歷程總結。你們在規劃這張專輯時，是否有預先設定什麼方向？
Kenichi（吉他）：「其實我們並沒有特別規劃方向，而是一首一首專心創作，最終形成了這張專輯。
所以從這個意義來說，這張專輯正是 muque 兩年半來累積的音樂結晶。
雖然我們的創作過程很簡單，但最終完成的這張專輯，確實讓我們覺得**『做出了了不起的東西』**。」
── 《Dungeon》 這個標題是怎麼決定的呢？
Kenichi：「某天，有人跟我們說：『muque 的每個成員都很有個性，就像 RPG 裡的角色』，這句話讓我們產生共鳴。
於是，在**《Bite you》** 的專輯封面，我們嘗試了 RPG 風格的設計。結果，我們發現這個概念非常適合我們，甚至演變成了一種系列化的風格。
這讓我們意識到——muque的活動，就像是一場冒險。我們在音樂的世界裡探索、挑戰新風格、與不同的聽眾相遇……這種 『冒險的感覺』 與我們的創作方式完全契合。
而「Dungeon」這個名稱，就是 takachi 提出的。」
takachi（鼓手 & 編曲）：「當有人說**『muque 的成員就像 RPG 裡的角色』時，我也深有同感。
而且，muque 的音樂風格多變，光是聽我們的音樂，有時候可能會讓人誤以為我們是個人音樂人**，而不是樂團。
所以，我們特意在專輯封面上強調『我們是一支樂隊！』，這不僅是我們的自我認同，也希望能讓觀眾感受到這一點。
我們不是一個單打獨鬥的『勇者』，而是一個包含治療師、魔法使等不同角色的 RPG 團隊，彼此互補，協力前進。這就是 muque。」
── 「我們是一支樂隊！」 這一點，對你們來說是很重要的嗎？
takachi：「絕對是。
樂團的魅力在於，每個成員都不完美，但正因為這些不完美，我們才能互相補足，創造出獨一無二的音樂。
這種『不完美的美感』，是單人音樂人無法呈現的，也是樂團特有的魅力。
如果一首歌是由一個天才個人音樂人創作的，那麼它可能會非常完美、精密、毫無瑕疵，但我們並不追求這種完美。」
── 所以，你認為樂隊的價值，在於成員之間的互補性？
takachi：「沒錯。舉個例子，如果 Asakura 吉他的技術變得超級厲害，那我可能會有點困擾（笑）。」
Asakura（主唱 & 吉他）：「（笑）。」
takachi：「如果 Asakura 在家裡拼命練吉他，每天花幾個小時練習，我可能會想說：『與其這樣，倒不如多讀點書，獲取靈感（笑）』。
因為 Asakura 的吉他風格，並不是以技巧取勝，而是她獨特的手感與音色，這才是我們喜歡的。
此外，當她的吉他聲音與 Kenichi 的吉他融合時，就會產生一種只有 muque 才有的音樂氛圍，這種組合感，才是樂隊真正的價值。」
《nevermind》與《jabber》：青春與回憶的交織
── 《Dungeon》 收錄的幾首歌曲中，我對「nevermind」和「jabber」尤其印象深刻，這兩首歌的歌詞中都有強烈的學園和青春感。尤其是「nevermind」，作為電視劇《素晴らしき哉、先生！》的插曲，這一點可能也有很大關係。這兩首歌是如何誕生的呢？
takachi（鼓手 & 編曲）：「《nevermind》 是在與劇組討論時，我聽到他們對歌曲的要求和形象，這時候我腦海中突然冒出了那個節奏。然後我回家後，就立刻開始創作，半天內就做出了Demo。」
── takachi 你作曲的速度真的很快呢。
takachi：「如果靈感來得快，那我就會很快完成。《nevermind》 是一首我根據腦海中閃現的靈感，把它具象化的作品。」
Asakura（主唱 & 吉他）：「《nevermind》 的歌詞設定是『學園風』，這是我們收到的主題要求。雖然這部劇是晚上的時段播出，我覺得不僅是學生，大人們 也應該能感同身受。所以，我在寫歌詞時沒有過於拘泥於學校的情景，而是希望它能夠觸動所有年齡層的人。
而**《jabber》** 則是比 《nevermind》 早期創作的。當我聽到 takachi 發來的音樂時，我腦中浮現出了一個『女孩們的聚會』的畫面。其實我讀的是女子高，所以當時的經歷跟這首歌的氛圍非常契合。於是，我寫歌詞時，便回想起我的學生時代。」
── Asakura，你在寫 《jabber》 的歌詞時，腦中浮現了什麼樣的情景呢？
Asakura：「女子高 的生活非常自由、亂七八糟。大家想像中的閃閃發光的感覺幾乎沒有，反而是很多人會早上就吃早飯，襪子隨便丟在地上，還有很多亂七八糟的東西。
我們班三年都是同班，裡面有各種各樣的奇怪人物，簡直是一群個性的集合。我很喜歡這樣自由的感覺，直到現在，那段經歷仍對我影響深刻。
現在支持我的，幾乎全是高中時代的朋友，很多回憶都是當年和朋友一起做的事情。現在我們依然會保持聯繫，並且在生活中互相支持。所以，高中時代的那些記憶和朋友對我來說，依然是非常珍貴的。」
── 《jabber》 的歌詞最後以「再見」作結，這一點也讓人印象深刻。
Asakura：「其實這是帶有『希望未來繼續保持聯繫』的意思。雖然現在跟高中朋友見面時，我們會聊一些過去的事情，但結尾卻不是『再見』，而是『下次再見』，這樣就表達了**『我們的關係將繼續』**的意思。」
《DAYS》：樂團的獨特魅力
── 尤其是專輯最後的《TIME》到《DAYS》的轉換，這個流程我覺得非常精彩，請問專輯的結尾是如何設計的呢？
takachi：「《DAYS》 是我預想中的一首像電影結尾一樣的歌曲，而且其實我一直想把它放在專輯的最後。這首歌的結尾部分是以樂隊的音樂為主打，這是只有樂隊才可以做到的結尾。值得注意的是，直到最後部分，《DAYS》中的音樂幾乎沒有太多傳統的樂隊聲音，這也是我們不太可能從其他樂隊聽到的獨特處。」
── 所以，這首歌的前半部分是“樂隊無法做到的事情”，而最後則是“只有樂隊可以做到的事”對吧？
takachi：「正是！這正是 muque 的特質。」
── 關於**《DAYS》**的歌詞，Asakura 是如何寫作的呢？
Asakura：「其實，我經常會被朋友找來聊心事，但有時候我自己也不一定能保持積極的心態。如果我自己心情不好，就無法幫助別人解決問題。如今，隨著 muque 的粉絲越來越多，大家會向我分享學業、工作、戀愛等方面的煩惱，但我無法一一解答。所以我想，或許我能用音樂的方式來陪伴他們，傳遞一些安慰，即便是間接的。我希望通過**《DAYS》的歌詞，能告訴大家：『無論如何，我都在你身邊』，而且這是愛的表達**。
這首歌的詞已經在我心裡酝酿很久，我也希望它能像**《pas seul》那樣，寫一些直接的歌詞**，表達內心的感情。」
── 所以 《DAYS》 的歌詞其實反映了你對朋友和粉絲的情感，以及你希望自己在他們心中是什麼樣的存在？
Asakura：「其實並不是說我希望自己是怎樣的存在，更像是我希望眼前的人能夠展現微笑，無論是我的朋友還是粉絲。每當我和朋友見面時，我都希望他們不是帶著悲傷的表情，而是告訴我『我過得很好，沒事』，這樣的心情對我來說非常重要。」